Nó sólo tengo la suerte de conocer a las dos chicas más increíbles del mundo, sino que además estos días me han acompañado a ver a Springsteen... la una a Madrid y la otra a Bilbao. Y es que el domingo empezó en la capital la etapa europea de su actual gira que acabará el día 19 de diciembre en Londres (penúltimo concierto: París, 17 de diciembre, ¡y ahí estaré!).
El domingo, con un inusual retraso de cuarenta y cinco minutos, el grupo salió al escenario del Palacio de los Deportes, y tras preguntar Is there anybody alive out there?, arrancaban las notas de Radio Nowhere haciendo vibrar a todo el pabellón... y 26 horas más tarde se cerraba la actuación bilbaína con American Land, recordándonos al folkie que ha poseído a Bruce en los últimos años. Entre medias, un viaje en autobús, poco y mal sueño, y unas cuatro horas y media del mejor rock and roll que puedas encontrarte en un escenario. Un periodista dijo "hay dos tipos de personas en el mundo: a los que no les gusta Springsteen, y los que lo han visto en directo", y es que es imposible (al menos para un aficionado a la música o al rock) presenciar a la E Street Band en directo y no dejarse llevar. No importa que te sepas su repertorio al dedillo o que sea tu primer contacto con su música. Imposible ignorar a Nils Lofgren cuando tocaba ese solo en Tunnel of Love, o los timbales de Max Weinberg en She's the One... Hay pocos grupos tan enormes. Es cierto que sus conciertos ya no son lo maratonianos que han sido, pero aún hoy en día rozan las dos horas y media, algo más que por encima de lo habitual.
Yo sé que soy un pesado, pero es que si lo ves, lo entiendes. Cuando arranca Born to Run, se encienden todas las luces, incluídas las del pabellon, y ves que todas, todas, todas las manos están alzadas, y sientes que pocas veces tanta gente está tan de acuerdo, y que es algo que está lejos de ser casualidad.
Wendy let me in I wanna be your friend I want to guard your dreams and visions Just wrap your legs 'round these velvet rims And strap your hands across my engines Together we could break this trap We'll run 'till we drop, baby we'll never go back Will you walk with me out on the wire 'cause baby Im just a scared and lonely rider But I gotta find out how it feels I want to know if love is wild, girl I want to know if love is real
Muchas gracias por venir, te echaba de menos. ¿Tienes cinco minutos? Si no tienes prisa me gustaría que vieras con calma una cosa... No te preocupes si ahora tienes follón, vuelve más tarde, con calma, que esto te estará esperando.
Hoy he tenido la suerte de que mi unito preferido me haya enviado este vídeo. Quería haberlo guardado para poner el post en otro momento, pero Facto Delafé y las Flores Azules estarán mañana 20 de octubre en la fnac de Callao a las 19.00, y si lo pongo hoy les hago un poco de promo.
No voy a hablar mucho de ellos porque soy nuevo en esto, y aunque el vídeo tenga tres años y ahora estén presentando nuevo disco, hoy ha sido mi primer contacto con ellos. Son un trío barcelonés que hace una música indie / pop alternativo / lo-fi / gafapastoide de esa que me gusta a mi (porque me gusta casi todo), solo que con voces de hip-hop. Normalmente el rap no me suele gustar, a pesar de que el concepto me atraiga, porque me parece demasiado forzado por mucho flow que pretenda tener el MC. Luego está el tema de la actitud, que suele ser en plan "soy más negro que tú", que en Cuenca queda un poco risible... pero Facto hacen canciones delicadas con rimas constructivas y humildes, por decirlo de algún modo... y la canción Mar el poder del mar es quizá demasiado tierna, pero es precioso cómo va creciendo suavemente la música con tanta frase de amor mientras disfrutas este entrañable plano secuencia y oyes unas palabras que quieres que alguien te diga a ti...
Hoy gano, tú ganas, ganamos los dos ¿Quién dijo que los muertos no iban a resucitar?
En los últimos meses han pasado por mi casa tres o cuatro ordenadores nuevos, y con el trajín y la renovación tecnológica, hemos decidido deshacernos de todos los disquettes. Los ordenadores ya no traen disquetera, es ridículo dar soporte a un formato que permite almacenar menos de mega y medio de información. Ahí cabe texto plano y poco más: al ser el almacenamiento tan barato, la tendencia es producir ficheros más grandes sin preocuparse tanto por el espacio. Así que floppys fuera.
La consecuencia negativa es que me quedaré sin oír el trabajo de Batch Totem en el medio para el que fue concebido. Trunkeret & Ikonisk sale a la venta en el conocido formato de 3 y 1/2 (¡aunque ya esté agotado!). El disco es una obra de 74 minutos, que está comprimida en un formato usado para codificación de voz en telefonía móvil (16 bits por muestra a 700Hz). Parece ser que el comprimir música a una calidad tan baja, trabajando en el espectro adecuado, genera unas "frecuencias fantasma" (todos los blogs que comentan la noticia las mencionan, pero creo que es un término mal empleado) que hacen ... pues no se, que mole más. Que suenen más cosas y que la canción tome forma. Vamos, que es un interesante experimento sobre crear música utilizando como herramienta las deficiencias de un formato. Normalmente la compresión es una limitación que afecta negativamente a la calidad de la obra musical, mientras que en este caso, es un parámetro que la define.
Aqui hay un fragmento de 5 minutos que sólo ocupa 42KB (frente a los 7MB que ocuparía en mp3 a 192Kbps, 170 veces más). Además, de haberlo comprimido en el formato de Fraunhofer, los sonidos que oiríamos no serían los mismos, con lo que este formato es necesario para esta obra. También es cierto que este ruidismo minimal no será del gusto de todos, pero si lo escuchas con el visualizador del Windows Media Player te parecerá estar viendo una película de miedo japonesa. A mi me gusta.
Ayer compré unos cuantos discos: el nuevo de Springsteen, la edición de coleccionista del nuevo recopilatorio de Dylan, algo de Dr. John... y otro de mis discos al azar, que me ha encantado.
Rock Plaza Central es un grupo de Canadá que hacen un country alternativo, o americana, o como lo llames, que me ha sorprendido mucho... porque entre guitarras acústicas, mandolinas y banjos, trompetas y trombones, acordeones y un violín, van apareciendo canciones que podrían haber salido de un disco de Modest Mouse si tocaran en acústico, o de Lambchop (suenan bien en directo, ¿eh?), sólo que son menos aburridos. Y me apetece que oigas el disco entero, porque aunque sea una obra conceptual sobre caballos metálicos de seis patas, creo que merece la pena. Y voy a empezar por una canción. Y no es que sea la que más me gusta, sino que quiero que escuches la letra. Y quiero, que con el mundo a tus pies, te sientas así.
...porfi?
Be joyful. My children, be joyful
Today's gonna be my dancing day Today's gonna be my prancing day "gonna dress up all fancy" day
And I'm gonna look so fine everybody's gonna love me And I'm gonna stretch so tall, gonna break the sky above me.
(pinchad aqui para oir, no hace falta ver el vídeo)
A los 75 años, ha fallecido Joe Zawinul. Perdemos a uno de los teclistas fundamentales del jazz. Si bien su género de jazz fusión no es algo que me haya entusiasmado nunca, sus trabajos con Miles Davis siempre me han encantado. Tras conocer la noticia estoy oyendo In a silent way, composición de Joe que daba nombre al trabajo de Miles en el '69. Uno de mis discos favoritos, y muchos lo sabéis, y a muchos os he contado las noches que he pasado a oscuras con él, pensando en lo que me atormentara en cada momento. Este disco, que considero un precursor de la música ambient que debió hacer mella en Brian Eno, es una auténtica joya. Pero simplemente espero que os haya apetecido acompañarme y hayáis escuchado una música tan importante para mi como despedida. Adiós, Joe. Gracias.
Los lunes no se sale. O sí. Y es que mi queridísima Luchita me mandó un sms recordándome el concierto de Zahara Eléctrica. Yo sin dudar acepto, por supuesto, aunque intento no reconocer que no, no he oído nada de ella (y mira que Lucía me había mandado ya su myspace). Así que simplemente le acompaño a la sala Buho Real y en cuanto sube al escenario la veo por primera vez tras su guitarra acústica. Rosa desde la diadema hasta los zapatos, pasando por los topos de su falda, sonriendo como si fuera su cumpleaños (que lo era) y cantando como un ángel (que lo parece), Zahara va cantando junto al bajo de Alfonso un repertorio intimista que se mueve entre la canción de autor y el pop más indie, incluída una preciosa versión del Segundo premio de sus paisanos granadinos Los Planetas. También cantó el Lover, you should've come over de Jeff Buckley, y es la primera vez que oigo esta canción y me gusta tanto (nunca me ha entrado el Grace, pueden poner sus comentarios tras el post), y el Volcano de Damien Rice. Pero aunque escoja un repertorio tan elegante, lo que cuenta son sus temas, delicados, personales... y que te mira a los ojos cuando te canta una canción y tú no sabes si podrás aguantarle la mirada.
La verdad es que el aforo del Buho Real es bastante reducido, y esta noche no habrá habido más de 70 personas, pero entre ese pequeño público se ha podido ver al Pirata Fon Román con Suso Sáiz, uno de mis productores favoritos; a Ismael Serrano; a Quique González y Rubén y Leiva, los chicos de Pereza... Y es que Zahara tiene un talento y un encanto especial, tenéis que conocerla. Yo tras el concierto me he tenido que despedir de ella y se lo he dejado claro: hasta hace una hora no te conocía, pero cuando salga por esa puerta, ya te voy a echar de menos.
Como estoy de vacaciones, he aprovechado para pillar una amigdalitis y llegar a los cuarenta de fiebre, y así he podido pasarme 48 horas durmiendo sin tener que avergonzarme por ello. El caso es que no ha sido todo tan agradable como cabría esperar, porque aparte de los dolores y los mareos y algunos delirios (creo que había unas letras que no eran letras pero se convertían en si mismas cuando las prestabas atención y ... bueno, ni lo recuerdo, y seguramente sea lo mejor), cuando intentaba dormir, me venía a la cabeza siempre la misma canción, y aunque me gusta, acaba siendo agobiante.
Yo soy muy poco televisivo, al menos en lo que a la televisión en directo se refiere. Nunca la veo, y ni tengo una cerca, pero sí que veo algunas series en el ordenador. Lo malo es que como estoy tan desconectado, igual cuando veo algo resulta ser de hace tres años y ni me había enterado. Ahora estoy viendo una serie, Psych, que me está haciendo gracia. Es sobre un detective que se hace pasar por vidente, pero en realidad es simplemente muy observador. La serie está escrita por Steve Franks, que es también el cantante de Friendly Indians, el grupo que interpreta el tema de la serie (músico, guionista... yo de mayor quiero ser como él). No es ni una canción, es un jingle (y la versión usada en la cabecera de la serie, reducida a los veinte segundos y horriblemente editada, más aún), pero como tal tiene sus ganchos (¡y de los buenos!), y me ha estado atormentando estos últimos días. Además tiene una frase que me ha llegado al alma.... "no me inclino a resignarme a la madurez". No es que sea muy loable, pero me temo que entendéis que me pega...
El dos de octubre sale a la venta Magic, el nuevo trabajo de Bruce Springsteen. Que sí, que lo sé, que soy un pesado, pero es que no hay artista que me parezca más consistente (qué consistente, ¡infalible!) que él. Vuelve a estar producido por Brendan O'Brien, y qué queréis que os diga... en el single se nota.
Radio Nowhere, el sencillo que empieza a sonar hoy y que promocionarán durante toda la semana incluso en TVE, es justamente eso, un sencillo, un single, de los de toda la vida. Poco más de tres minutos con un sonido muy rockero, lleno de guitarra, con un riff de lo más tipicón, a quién le vamos a mentir... y los acordes es posible que te suene haberlos oído en algún lado, y no es que la melodía rompa con ningún molde. Por cierto, que la letra es de esas que hacen que se haya parodiado tanto a Springsteen (véase Prefab Sprout)... un tío conduciendo y que quiere oír la radio. Wow.
¡Pero es bueno, muy bueno! Nada de eso es una crítica válida... es rock, un sencillo de rock, usa las herramientas típicas del género y las utiliza muy, pero que muy bien, para construír una canción única que quieres tener a todo volumen. Me cuesta esperar al dos de octubre, pero más me cuesta esperar a estar rodeado de setenta mil personas y Bruce Springsteen and the E Street Band en el escenario extendiendo esta canción un par de minutos más con los altavoces tronando. Si has visto a Springsteen en directo, sabes cómo se te van a poner los pelos cuando toquen este tema. Si no lo has hecho... intentaré guardarte una entrada.
Update: La RIAA (la SGAE de EE.UU.) ha hecho que retiren el video anterior... supongo que este también desaparecerá en breve, pero se puede bajar el single de http://www.rtve.es/bruce/
This is radio nowhere. Is there anybody alive out there? I just want to hear you swoon.
Llevo años y años oyendo música de lo más variada, saltando de un grupo a otro, de un estilo a algo que no tenga nada que ver, pero siempre he pensado que más que ningún grupo en concreto, mi mayor influencia musical fue Mike, mi profesor de inglés del colegio.
Siempre me estaba pasando cintas viejas de los discos que solía oír él. Yo era un chaval que con 15 años sólo oía a Queen y AC/DC, pero él me iba trayendo cintas y cintas que me descubrieron no sólo una gran cantidad de grupos, sino otra forma de oír música. Recuerdo un día en concreto, que muchas veces he mencionado como un punto de inflexión en mi vida, que realmente me cambió. Apareció con 4 casettes:
David Byrne and Brian Eno - My life in the bush of ghosts
Talking Heads - Remain in light
Iggy Pop - Lust for life
Tom Waits - Swordfishtrombones
...y mi vida empezó a ser diferente. Pero hoy no va por ahí la historia; va de un día que me trajo una cinta que se había grabado él hacía muchísimos años con temas como el Picture This de Blondie, Killing an Arab de The Cure... y Another Girl, Another Planet de The Only Ones, grupo del que por supuesto ni había oído hablar.
La canción me enganchó de inmediato... recuerdo estar andando de vuelta a casa con el walkman, y no dejar de rebobinar y oírla de nuevo, una y otra vez. Lo que antes siempre era mi referencia principal a la hora de documentarme sobre música, http://www.allmusic.com/, define este tema como "discutiblemente, el mejor single de rock jamás grabado", y es que lo tiene todo, incluso a pesar de la voz perezosa de Peter Perrett. La base rítmica es trepidante, y la guitarra de John Perry es brillante, absolutamente eficaz durante la canción, e incendiaria durante el solo.
The Only Ones no llegaron a triunfar en su tiempo y se separaron a los 4 años de formarse. Este tema no entró en las listas de éxitos de 1978, aunque con el tiempo se ha convertido en uno de los temas más respetados de la música punk/new wave. Se han grabado versiones, como la de The Replacements, o la de Blink 182, pero ninguna es capaz de capturar el espíritu de Perrett llorando su extraña canción de amor; porque es lo que es, una canción de amor... sólo que la chica del título es una metáfora para la heroína, como ocurre en muchas, muchísimas canciones de rock que escuchamos y cantamos sin saber de qué estamos hablando en realidad. Y bueno, no es de extrañar que haya tantas baladas que resultan ser sobre las drogas... el amor también nos impide ver las cosas claras y tomar decisiones, pero no lo queremos dejar. La verdad es que se parecen demasiado, ¿no?
I always flirt with death I look ill, but I don't care about it Space travels in my blood And there ain't nothing I can do about it Long journeys wear me out Oh God we won't live without it
You always get under my skin I don't find it irritating You always play to win I don't need rehabilitating
Another girl is loving you now Another planet, forever holding you down Another planet
Me gusta conducir, eso ya lo sabes. Y también que me gusta oír musica mientras pienso en mis cosas en el coche. Esta noche volvía a casa de estar con mis amigos tomando algo en una terraza de Madrid, y me ha entrado nostalgia de lo que puede ser mi canción favorita para ello.
Yo no soy especialmente de música electrónica, pero siempre me ha gustado mucho Fatboy Slim, ya sea por sus discos de Big Beat, como por su trabajo como productor, o por los discos de sus famosas pinchadas en la playa de Brighton, y es que Norman Cook (su casi verdadero nombre, ya que fue bautizado Quentin Leo Cook) ha tocado muchos palos (no sólo en la electrónica, también en los Housemartins o Freak Power).
En su primer trabajo como Fatboy Slim, Better Living Through Chemistry, está el tema que hoy he echado tanto de menos. Santa Cruz para mi va unida a conducir hacia casa en verano, con las ventanillas bajadas, y si es posible, con el sol saliendo o poniéndose... de no ser así será noche cerrada. La forma que a partir de la mitad los filtros van entrando y saliendo sobre el monótono riff de guitarra, o cómo al comienzo los sintetizadores parecen gaviotas... En fin, me encanta oír esa canción, especialmente en la recta de los tres últimos kilómentros de carretera antes de llegar a casa, donde veo las luces de los pueblos en el horizonte. Todos tenemos alguna canción así. ¿Por qué no apuntas la tuya en los comentarios después de ver el vídeo? Que me temo, es la versión editada, la original dura casi el doble.
Una noche estaba en la sala El Sol, por cierto, y vi a un personaje clavadísimo a él. Como le tenía al lado, le comenté "eres clavado a Norman Cook", y él me respondió, con una sonrisita y cierto acento: "Igual soy él...". Y se largó. No sería, claro, pero... igual sí.
Son las 2.00am, acabo de llegar a casa, y en 6 horas empieza una cuenta atrás en la oficina. He venido conduciendo un rato pero no quería oír música, y no quería estar en silencio, y no quería pensar.
Qué difícil es encontrar en Madrid buena estática con una radio moderna.
Siguiendo con películas, el otro día estaba viendo a Paul Newman en La leyenda del indomable, un drama carcelario de 1967 en el que el protagonista, Cool Hand Luke, acaba en una prisión de carretera. Luke es un personaje inolvidable, siempre sonriendo desafiante, a la vida, a todos. Pero en la película hay un momento de vulnerabilidad, donde al borde de las lágrimas se refugia en el banjo y entona lastimeramente Plastic Jesus, un spiritual que fue escrito a modo de broma por Ed Rush y George Cromarty en 1957 (aunque también se le atribuye a Ernie Marrs, que la amplió y añadió un estribillo años más tarde) y que ha acabado siendo una de las más populares piezas del folk americano, para la que quien quiere escribe una nueva estrofa a su gusto. Se cuentan por decenas, y las hay que hablan no sólo de Jesús, sino de Buda, Satán y todas las deidades que se te puedan ocurrir (sí, Cthulhu incluído). Ha acabado siendo una canción humorística, incluso, y hay versiones de los Flaming Lips, Jack Johnson, Billy Idol, Jello Biafra... pero la interpretación de Paul Newman es con diferencia la más conmovedora. Un hombre con el corazón roto, al borde de las lágrimas, intentando refugiarse en la canción. Hasta que oí esta, no me había llamado tanto la atención, pero llevo oyéndola sin parar varios días...
I don't care if it rains or freezes as long as I've got my plastic Jesus sittin' on the dashboard of my car
It comes in colors pink and pleasant, glows in the dark cause it's iridescent take it will you when you travel far.
Dedicado a los operarios fallecidos en el accidente que ocurrió al desmontar el escenario al dia siguiente. Porque 55.000 personas aplaudieron a Mick, Keith, Ronnie y Charlie, pero detrás de ellos hay cientos de personas que hacen posible que cada noche ocurra la magia.
Bueno, el jueves estuvieron los Rolling Stones en el Calderón, y entre la multitud (no se si al final se llenaría o no, pero si no ocurrió, sería por poco...) estábamos Libo, Alberto, Adela y yo. Cuando llegamos, Jet estaba a la mitad de su actuación, y nos perdimos el concierto de Loquillo, pero nos acomodamos junto a la valla de lo que sería el escenario B y esperamos hasta pasadas las diez, que es cuando se apagan las luces del estadio, se encienden las que llevan montando dos días, y suena una Telecaster con los acordes de Start Me Up. Empieza uno de los mayores espectáculos del rock and roll.
Bueno, la verdad es que el espectáculo del rock and roll podría haber sonado mejor, y al principio sólo se debía al impresionante escenario. Durante los primeros temas el sonido no era del todo bueno. La voz de Jagger sonaba muy por encima de todo lo demás, las guitarras estaban demasiado bajas, la batería no se oía lo suficiente... pero poco a poco fueron ajustando esos detalles, y al final todo el mundo disfrutó trementamente del concierto. Hubo un sentido homenaje a Ray Charles cuando interpretaron Night Time is the Right Time, en la que la vocalista robó protagonismo a Mick Jagger. También interpretaron You Can't Always Get What You Want, que yo temía que no fuera a sonar, pero al parecer quisieron hacer a Madrid un pequeño regalo de disculpa por las cancelaciones españolas del año pasado, y es que se ha notado que el público estaba algo escéptico tras el incidente "de la palmera" de Keith Richards. Que por cierto, llegado el momento en el que se anima a cantar un par de temas, apareció tambaleándose en el escenario, con ese look de Piratas del Caribe que le hace parecerse tanto al último Dylan. Más que hablar, balbuceaba, y a punto estuvo de caer al suelo... Pero el público se lo tomó a bien y se siguió con la fiesta. O empezó de verdad, porque una vez se arrancaron con el Miss You no dejaron de sonar los más grandes temas de la banda. En este punto, se trasladaron al segundo escenario (donde nos encontrábamos nosotros) y tocaron It's Only Rock and Roll, Satisfaction y el comienzo de Honky Tonk Women a dos metros de nosotros, y siguieron con Sympathy for the Devil, Paint it Black y Jumpin' Jack Flash, para cerrar con el bis de Brown Sugar. La verdad, un repertorio increíble para un grupo que increíblemente sigue en forma... bueno, menos mal que cuando Keith está así, está ahí Ronnie Wood para arreglar el día. La verdad es que lo pasamos muy, muy bien... y además, al parecer tuvimos el privilegio de compartir barandilla con alguien muy próximo a la banda.
I've been holding out so long I've been sleeping all alone Lord I miss you
I've been hanging on the phone I've been sleeping all alone I want to kiss you
Con David Lynch a veces me pasa como con algunos teoremas matemáticos. Los veo, sigo las demostraciones, veo cómo se avanza, cómo se progresa hasta el final. Siento la belleza del proceso, del contenido, noto lo que hay bajo la superficie... pero no me entero de nada.
Tampoco es que yo sea un entendido en cine (ni matemáticas), pero me gusta su forma de rodar, los ambientes y atmósferas que crea y las historias que cuenta, y una de sus películas que más me gustó fue Mulholland Drive. Recuerdo haber ido a verla en versión original a la plaza de los Cubos con Fernando, mi "corresponsal en la India", y habernos encontrado en el cine con Paco Trinidad, uno de los productores más afamados de la historia del pop español (¡incluso produjo el primer y único disco de Pleasure!). Al salir de la sala intercambiamos impresiones, y creo que ninguno habíamos entendido nada, pero todos estábamos fascinados. Nos pasamos los siguientes tres días llamándonos si se nos ocurría una idea nueva, pero la verdad es que avanzábamos despacio. Que volverla a ver ayuda mucho, claro... pero también recuerdo el clima de confusión que había en torno a la película cuando salió. Antes nadie sabía de qué iba, ahora hay páginas y páginas que analizan cada palabra. Lo que no recuerdo es ninguna otra película que me haya dado tanto de qué hablar durante tantos días.
En una de mis escenas favoritas las protagonistas acaban en el Club Silencio y presencian la actuación de un inquietante mago y de "la llorona de Los Angeles", Rebekah del Río. Lo que canta es una versión del Crying de Roy Orbison, a capella y en español. La verdad, la chica esta tiene un disco que no me convence... y hay partes de esta interpretación que son, con todos los respetos, un poco de berreo. Pero es una interpretación conmovedora, la voz de la llorona impresiona, y todo el marco que le construye Lynch hacen que sea una escena inolvidable que me tuvo sin parpadear cuando la vi.
No hay banda! There is no band! Il n'y a pas d'orchestre! This is all... a tape-recording.
No hay banda! and yet we hear a band. If we want to hear a clarinette... Listen...
Un trombón "à coulisse". Un trombón "con sordina".
J'aime le son du trombone en sourdine.
Je le sens! A muted… trumpet.
It's all recorded. No hay banda! It's all a tape. Il n'y a pas d'orchestre.
Como todo lo que hacemos, decidimos a última hora que íbamos a ir al Metrorock. A media tarde nos dirigimos al recinto ferial, y llegamos justo para ver la actuación de Enter Shikari, y aunque el concierto no está mal, recuerdo por qué no me gustan los festivales: conciertos cortos, incompletos, y al final te pierdes casi todo yendo de un lado a otro. Pero además, qué horas son estas, con el calor que hace y todo el sol en la cara... Después aparecen en el escenario Billy Talent, que sufren los problemas técnicos del festival, con algún transformador incendiándose en el backstage y soltando humo negro, y dos o tres temas interrumpidos por cortes de corriente. Luego nos pasamos por el otro escenario a oír de lejos a La Excepción, y vuelta al otro escenario a ver la actuación de My Chemical Romance. Esto del emo-core tampoco es lo mío, pero tenía muchas ganas de verles, porque llevo toda la semana oyendo este tema de su disco The Black Parade.
Cuando ya iban a acabar MCR, volvemos a cambiar de escenario para ver parte de la actuación de Muchachito Bombo Infierno, que no hay quien le saque del Metrorock. Y que no falte. Sus actuaciones son infalibles, su puesta en escena de Big Band Canalla no deja a nadie quieto, cada vez que le veo tocar es otra fiesta. Aunque no lo veríamos entero, porque se disponía a empezar el plato fuerte de la noche: la única visita de Bad Religion a Europa este verano. La verdad es que tampoco han sido especialmente santo de mi devoción, pero empezando a sonar el primer tema, al oír las notas de American Jesus, no he podido resistirme y me he lanzado a atravesar la multitud hasta casi primera fila, entre empujones y pisotones. Después volví con Javi, y nos llevamos codazos y demás mientras ambos temíamos por nuestras zapatillas, ya que con tanto pisotón era bastante posible que volviéramos descalzos, pero tuvimos suerte y las conservamos. Pero nos duele todo... auch.
When you go Don't ever think I'll make you try to stay And maybe when you get back I'll be off to find another way
When after all this time that you still owe You're still, the good-for-nothing I don't know So take your gloves and get out Better get out While you can
When you go Would you even turn to say "I don't love you Like I did Yesterday"
Frank Zappa, uno de los músicos más imaginativos y prolíficos de nuestros tiempos (publicó más de 60 discos en vida... y 14 años después de su muerte sigue apareciendo material nuevo cada vez que alguien da una patada a algún cajón)... Este extraño personaje, compositor y guitarrista, se caracteriza por lo complejo y en ocasiones bizarro de su trabajo, que siempre estaba empapado de un extraño y ácido sentido del humor. Pero a pesar de haber sido admirador de Varèse y de Stockhausen, muchas de sus obras son tremendamente accesibles al mismo tiempo que innovadoras.
Es el caso de Watermelon in Easter Hay, que mucha gente considera su mejor composición, que es en realidad un solo de guitarra. El extraño título viene de una frase que usaba Zappa por la época, solía decir: tocar un solo de guitarra con esta banda es como intentar cultivar sandías en el heno de Pascua. La canción es el final de la historia que se narra en su disco Joe's Garage, en el que se nos habla de una sociedad en la que la música es algo ilegal, lo que lleva a Joe, el protagonista, a pasarlas muy pero que muy perras, tanto física como psicológicamente. Al final el protagonista se dedica a imaginar la música que no puede oír ni interpretar, y su canto del cisne es esta inimitable pieza de nueve minutos que se va deslizando sobre un patrón de guitarra que se repite incansablemente bajo unas melodías que reflejan muy bien por qué a Zappa le gustaba hablar de esculturas de aire.
En realidad, la canción es compleja, o al menos "extraña" en cuanto a que el compás es bastante poco habitual; es un 9/4, en vez del tipiquísimo y manido 4/4. Para los que no sepan lo que quiere decir esto, que hagan la prueba de seguir el ritmo de la guitarra rítmica: hace una figura de 9 notas, y al principio puedes pensar "me sobra una", pero ahí está la magia de Watermelon... incluso con un ritmo tan poco usual, la canción suena tremendamente fluída, delicada. Ese patrón irregular provoca una sensación de "no hacer pie". Hace que flotes dentro de la música, no hay un lugar claro donde apoyarte, y lo único que puedes hacer es dejarte llevar por el sonido de la guitarra de Frank, y volar, volar, volar...
This is the CENTRAL SCRUTINIZER... Joe has just worked himself into an imaginary frenzy during the fade-out of his imaginary song... He begins to feel depressed now. He knows the end is near. He has realized at last that imaginary guitar notes and imaginary vocals exist only in the mind of The Imaginer ...and ... ultimately, who gives a fuck anyway... Who gives a fuck anyway? So he goes back to his ugly little room and quietly dreams his last maginary guitar solo...
Una de las canciones más bonitas del pop español, una de mis favoritas... Enrique Urquijo grabó en su segundo disco con Los Problemas Aunque tú no lo sepas, una canción escrita por el entonces desconocido (o no-tan-conocido, al menos) Quique González. Es increíble cómo alguien puede escribir una canción que encaje tan bien en manos de otro, pero incluso al interpretarla Quique parece conjurarse la memoria del tristemente desaparecido Urquijo, uno de los personajes más melancólicos de la canción, el constante enamorado que siempre añora.
El caso es que varias veces he oído alguna conversación sobre "la versión esa de Enrique Urquijo que hace Quique González" y alguien que corrige "bueno, es de Quique, en realidad..." Pues bien, los que quieran corregir al corrector en dicha tesitura podrán explicar el origen concreto de la canción, que se puede desarrollar más alla de los dos Enriques.
Aunque tú no lo sepas es un poema de Luis García Montero. Inspirado por el poema, González escribió una canción para que la grabara Urquijo... y a su vez, la mujer de Montero, Almudena Grandes, escribió el relato breve El vocabulario de los balcones. Relato que a su vez fue llevado a la gran pantalla por Juan Vicente Córdoba, que filmó en el año 2000 el largo ... Aunque tú no lo sepas. Está claro que mucha gente se siente atraída por esta historia, pero es que... ¿quién no ha suspirado, quién no ha contemplado a alguien alguna vez?
Aunque tú no lo sepas Como la luz de un sueño, que no raya en el mundo pero existe, así he vivido yo, iluminando esa parte de ti que no conoces, la vida que has llevado junto a mis pensamientos.
Y aunque no lo sepas, yo te he visto cruzar la puerta sin decir que no, pedirme un cenicero, curiosear libros, responder al deseo de mis labios con tus labios de whisky, seguir mis pasos hasta el dormitorio. También hemos hablado en la cama, sin prisa, muchas tardes, esta cama de amor que no conoces, la misma que se queda fría cuando te marchas.
Aunque tú no lo sepas, te inventaba conmigo, hicimos mil proyectos, paseamos por todas las ciudades que te gustan, recordamos canciones, elegimos renuncias, aprendiendo los dos a convivir entre la realidad y el pensamiento.
Espiada a la sombra de tu horario o en la noche de un bar por sorpresa.
Así he vivido yo, como la luz del sueño que no recuerdas cuando te despiertas.
Esta mañana al salir para la oficina he cogido un CD para el coche, un poco al azar... y ha sido el grandes éxitos de The Smiths. A la ida, todo normal, pero en el camino de vuelta sólo he oído una canción una y otra vez, Ask, en la que los de Manchester entregan lo que es una de las melodías más pegadizas y ochenteras que firmaran en sus cortos años de vida como el cuarteto que marcaría a las siguientes generaciones de músicos.
La transcendencia de esta banda es innegable, pero al escuchar Ask el término pierde sentido, ya que el mensaje de la canción es de inmediatez, es una canción sobre el instante, sobre no dudar sobre las cosas que quieres y te gustarían... y no es sólo la letra lo que nos insta a lanzarnos, sino también la música, con arreglos irresistibles y algunas de las melodías más juguetonas que grabaran. Escucha la canción y verás: then it's the bomb, the bomb, the bomb, the bomb, the bomb, the bomb, the bomb that will bring us together....
Shyness is nice, but shyness can stop you From doing all the things in life That you'd like to So, if there's something that you'd like to try If there's something that you'd like to try ASK ME - I WON'T SAY "NO" - HOW COULD I ?
La verdad es que tengo tendencia a complicarme la vida, obviando algunos caminos fáciles y tomando algunos senderos que a la legua se ve que no serán sencillos. Pero no son elecciones que haga, sino el resultado de una pasión, una necesidad. Por eso voy a presentar a dos personajes con los que me podría sentir identificado... porque saben que quieren algo, saben que no va a ser fácil, pero aún así lo van a conseguir.
Por un lado, me gustaría que el que no lo conozca viera el corto animado Kiwi!, del que se oyó hablar mucho hace unos meses. Es una historia preciosa sobre luchar por tu sueño cueste lo que cueste, aunque sea algo triste según la interpretación que demos al final. Y como necesitamos alguna relación con la música para mencionarlo en the odd boombox, haré hincapié en el segundo tema que suena: una simple melodía de caja de música, tímida, pero que encaja perfectamente con la escena.
Snif. Y bueno, por otro lado, lo que me hizo querer poner este post... yo no veo la televisión, de hecho ni sé qué canales se reciben en mi casa, ni qué tipos de programa van poniendo por ahí, pero a cambio veo un par de series en el ordenador. Una que estuve viendo hace unos meses es Studio 60 on the Sunset Strip, que creo que ahora están poniendo en España. Es una serie sobre la realización de un late-night televisivo, y en una escena del episodio de Navidad hay una actuación de unos músicos de Nueva Orleans tocando una suerte de villancico con un arreglo de metales muy delicado. La interpretación es sensacional (si alguien quiere el mp3 limpio, sin diálogo, puede bajarlo aqui), pero además, durante el tema, uno de los protagonistas decide poner las cartas sobre la mesa y dejar las cosas claras con una declaración de amor poco convencional. Y yo le entiendo... Aunque empecemos con el viento en contra, aunque sólo nos rodeen obstáculos, si tenemos claro lo que queremos nada nos va a impedir perseguirlo.
He estado casado dos veces y soy un cocainómano en rehabilitación. Sé que no soy el hombre con el que sueña una mujer. Ni el padre. Pero creo que me estoy enamorando de ti. Si quieres correr, lo entiendo, pero más te vale sacarme algo de ventaja porque voy a ir a por ti, Jordan.
El jueves por la noche grabé un par de CDs juntando un poco de todo y sin preocuparme por qué cosas mezclaba... Matchbook Romance, Butthole Surfers, Jet City Fix, Freak Kitchen, Laakso, Gackt, Nerf Herder, Limp Bizkit, Ass Ponys, Good Charlotte, Beef, Blink 182, Fountains of Wayne, Morcheeba, The Georgia Satellites, Cypress Hill, Basement Jaxx, Polyphonic Spree, Paris Hilton, Ivete Sangalo, Natasha Bedingfield, Herman Dune, Hilary Duff, Skye Sweetnam, The Pipettes, Son of a Plumber, Men at Work, Razorlight, John Coltrane, Medeski Martin and Wood, Buckwheat Zydeco, Custom, Commodores... y al salir de la oficina el viernes, directo hacia Sevilla.
Había quedado por la noche en un estudio de grabación con la mitad de showpay. Estaban también Adela y Josué, el productor, que lleva varios días haciendo las mezclas de unos cuantos temas que van a ser parte de la banda sonora de la película Open Graves. Ellos debían estar hartitos ya después de estar todo el día oyendo lo mismo, pero a mi me apetecía estar ahí. Además el estudio es bastante cómodo y acogedor, por qué no relajarse un rato hasta la hora de cenar... que es cuando aparece Luis, del estudio, y nos lleva a dar una vuelta por Sevilla, unos vinos, unas raciones, unos mojitos, reirnos mucho y las vistas nocturnas desde el Puente de Triana. Al día siguiente aproveché para hacer unas visitas rápidas antes de comer con Luis y Josué y zas, vuelta al norte sin haber visto las cosas bonitas de la ciudad, pero es que eso lo dejo para otro momento. Era un viaje de carretera y estudio. Me gustaría ir también a las sesiones de masterización, porque serán en Nueva York, pero como escapada de fin de semana me viene algo grande.
One more time down south Sell the family headstones Drag a bag of dry bones Make good on my back loans
So if I come to your door Let me sleep on your floor I'll give you all I have And a little more
Ultima hora: la madrileña sala de conciertos Heineken ha cancelado todas las próximas actuaciones. El motivo es que durante la actuación de los suecos The Sounds, la vocalista Maja Ivarsson se comió el escenario y aún se esperan las piezas para construir el nuevo.
Acabo de llegar a casa de presenciar un concierto como no he visto uno en mucho tiempo. Ha sido sólo una hora, pero tampoco hay que extrañarse, por el tipo de música que es y la aún breve discografía de la banda (los discos de The Sounds juntos duran poco más que el concierto de hoy). Y ha sido sesenta minutos de diversión al estilo de la New Wave de los 80 pero con la actitud del siglo XXI.
El grupo salió el escenario a entregarse a sus canciones y al público madrileño, y no hubo en la sala nadie que pudiera permanecer estático. Cuando un teclista salta, baila, y cae de rodillas, sabes que la música está funcionando. Y es que era imposible resistirse. Por una parte, los discos de los suecos parecen más colecciones de singles potentes y pegadizos. Por otro lado, está Maja. No recuerdo una vocalista que me haya causado tanta impresión, ni Gwen Stefani, ni Debbie Harry (a quien tanto debe, todo sea dicho... también sea dicho que cuando yo vi en directo a Blondie, Debbie ya pasaba los cincuenta).
Maja es todo un huracán en el escenario, una personalidad tanto enérgica, agresiva y sexual como carismática, agradecida y cariñosa. Los saltos que no pudo dar Pete Townsend el jueves los ha estado dando ella, desde la bateria hasta sus tacones, desde el suelo hasta el público. Verla agarrar a la gente del público del cuello como a un viejo amigo para que cantaran, era estremecedor... La conexión era hipnótica. Ha sido uno de los conciertos que me dejan pensando... "así es como debe ser". Yo lo he disfrutado muchísimo, pero me da dado envidia por no haber estado en el escenario, y también ha sido de las veces que me da pena no haber podido traer a un montón de conocidos que sé que lo hubieran pasado muy, pero que muy bien. Y es que yo, de mayor, quiero ser como Maja.
Os pongo el vídeo de Seven Days a Week, que abría su primer disco. Si alguien me pregunta, diré que es uno de los mejores singles que he oído en mi vida. Punto.
It takes more than a heartbeat to get me to stop me I'm out in the cold It takes more than a heartbeat to get me you've been holding on for much too long now
Ayer fue noche de concierto. Finalmente fui al Palacio de los Deportes a ver a The Who para darle una sorpresa a Siouxsie, que le hacía mucha ilusión ir. Y qué puedo decir, yo también lo disfruté como un enano. Aparte de un par de fallos técnicos, el sonido fue impecable y la puesta en escena sencilla pero buena. Eso sí, los fallos incluían que hacia el final de Who are you? se fuera todo el sonido, PA, amplis, todo... y que en otro momento las enormes pantallas dejaran de mostrar las imágenes previstas y sólo se viera un Media Player y el logo de Windows. Salvando esos detallitos fue un espectáculo tremendo. Desde que salió Pete Townsend al escenario a tocar los primeros acordes de Can't explain hasta que acabaron los bises no dejaron de sonar clásicos de la banda, y si bien Pete ya no está para tantos saltos, sigue haciendo el molinillo como nadie.
La verdad es que oír 5:15 en directo es todo un gustazo, pero el mejor momento llegó cuando empezó a sonar el loop de Baba O'Riley... ¡por fin la iba a oír en condiciones! Este tema de 1971 me sigue dando escalofríos cada vez que lo oigo, y ayer no fue para menos. Aunque el solo de violín que debería haber al final en directo lo interprete Roger Daltrey con armónica, el tema sigue siendo tremendo. Por cierto, el título es un homenaje al gurú indio Meher Baba, y al compositor minimalista Terry Reily, cuyo disco A Rainbow in Curved Air, de 1967 (una joya de disco, tremendamente innovador, toda una demostración de loops de cinta) se ve prácticamente reconocido en la introducción.
Y bueno, si bien dicho tema sólo suena como debe sonar cuando lo tocan The Who (los que quieran oír la original la encontrarán aquí), me gustaría que vierais esta versión en directo por Blue Man Group, el grupo newyorkino que mezcla espectáculo teatral con música rock, percusión, participación de la audiencia, y lanzamiento de comida. Aquí los tenemos con Tracy Bonham a la voz y el violín, y es un grupo que merece la pena conocer.
Hay un grupo que me gusta mucho, The Rentals. Lo formó Matt Sharp, el que fuera bajista de Weezer en sus dos primeros discos, y a quien tuve la suerte de conocer y con quien pude charlar un par de veces hace año y pico. Como este año pretenden sacar nuevo disco tras bastantes años separados, visito de vez en cuando su web para ver qué se cuece, y ahí me enteré de una curiosa anécdota que sucedió el año pasado en Japón.
El grupo estaba invitado a actuar en el Nano-Mugen Festival, organizado por un importante grupo nipón, Asian Kung-Fu Generation. La noche del evento, minutos antes de salir al escenario, alguien de la discográfica revisó el setlist de The Rentals, y le llamó la atención que no apareciera el tema Getting By. Le preguntó al grupo, y estos le dijeron que no tenían pensado tocarla... lo cual resultó un grave despiste, ya que no habían caído en que es la canción más famosa del grupo en Japón, y el público estaría esperando oírla, con lo que se les sugirió que debían tocarla. Claro que siendo la formación actual del grupo nueva, sin llevarla preparada, y sin haber tiempo para ensayar, ya que les tocaba subir al escenario, la situación no era sencilla.
Con el tiempo echándoseles encima, y supongo que con la cara roja de vergüenza, se dirigieron al grupo anfitrión y les pidieron un gran favor... que se aprendieran ellos la canción mientras ellos tocaban. Y con The Rentals en el escenario, en el backstage AKG se aprendían a toda prisa la canción, nota por nota. Y al final de la noche, durante el concierto en el que ellos eran los reyes, invitaron a los americanos al escenario para tocar todos juntos y salvar la noche. Y salió bien.
I know a girl, lives off the coast of Spain Twenty-one in the prime of her life Friends are the most important thing she's got And she don't need much to get by It's been a long, long time since I felt that way Maybe all the way back to high school But, lately I've felt like an old fat man With her I lie and say "I'm a young fool"
Él va siempre al mismo cine a verla en la película. Ella luce en la pantalla, es la imagen que busca noche tras noche. La contempla: te daría amor si pudieras devolvérmelo, si me pudieses mirar. El mundo si pudieras hablarme, todo si te pudiera amar. Y una y otra vez se sienta en las butacas... pero las sesiones no duran para siempre, y la última noche abandona la sala temblando, arrancando el cartel, llevándose su foto, y eso es lo único que queda de recuerdo de su historia. Cuando por fin se apaga la luz del proyector, sólo le queda recordarla, el faro del sur, y mirar su imagen. No es un buen final, los hay mejores, y yo preferiría que la luz cada vez brillara más fuerte. Te daría amor si pudieras devolvérmelo, si te pudiese mirar. El mundo si pudieras hablarme, todo si me pudieras amar.
¿Puedes?
Et donaria amor si puguéssis tornar-me'n et donaria amor si ens poguéssim mirar et donaria el món si puguessis parlar-me ho donaria tot si et pogués estimar
Jueves, 17 de mayo, 2007. ¿Dónde vas a estar? Muchos en casa, pero yo no, aunque aún no tengo claro dónde estaré. No es que haya un concierto al que ir, ni que coincidan dos, ni tres... Quisiera ser cuatro personas para repartirme por la geografía de la capital y poder asistir a estas cuatro citas, ¿me echáis una mano y nos los repartimos?
Por ahora todo apunta a que yo estaré en La Riviera en el concierto de los londinenses Bloc Party, que hace mucho agotaron las entradas para la presentación en nuestra ciudad de su segundo trabajo, A Weekend in the City. Es un grupo que me gusta, pero las numerosas opciones hacen que me esté planteando deshacerme de mi entrada... ¿alguien la quiere?
En segundo lugar, si de verdad quieres ser moderno pero los grupillos de moda que rellenan las chapas de las chaquetas de pana (como la mía) te parecen demasiado trendy y buscas el underground más auténtico, quédate en casa. Y si crees que esas cosas no se buscan, sino que se encuentran y se disfrutan, no te puedes perder la actuación de me dais poca, que llevarán por última vez su ultra cool anarchy music al Bar Zé, que tristemente cerrará sus puertas al acabar el mes... ¡doble motivo para no faltar!
También es cierto que hay espectáculos que no son para todos los públicos, pero para todos los públicos están los dinosaurios del rock que en su tiempo fueron transgresores. Y en el Palacio de los Deportes tendremos a Pete Townsend y Roger Daltrey, los restos de The Who, que cuarenta años más tarde seguirán tocando My Generation como si no pasara nada. Y si bien la idea de un concierto de The Who en 2007, sin Keith Moon, John Entwistle ni los legendaros saltos de Townsend es un poco insulsa y artificial, la perspectiva de oír Baba O'Riley a volumen de estadio es, cuanto menos, tentadora...
...pero mi apuesta personal, mi recomendación para el que crea en The Odd Boombox y no se cierre a la música más cotidiana (Pili y Santos me perdonen, no va por ellos), es la que ofrecerá la Sala Caracol, escenario que ha abierto y cerrado muchas veces a lo largo de los años, y ha programado punk, rock, heavy, AOR, salsa, cantautores, y a cuyo escenario saltaron Vae Victis allá por el '97 (luego dejaron de empezar los conciertos con la canción de Ghostbusters y se convirtieron en showpay).
Aquí es donde actuará Toumani Diabate con la Symmetric Orchestra. Toumani es el más importante intérprete de Kora, una especie de arpa africana de de 21 cuerdas. Desde su Mali natal ha conquistado a músicos del mundo entero, grabando discos con Ketama o el lider de Blur, Damon Albarn (muy interesante el proyecto Mali Music), dándole a cada colaboración el toque inconfundible de la Kora. Los conciertos con la Symmetric Orchestra prometen ser inolvidables, con 14 músicos de Mali, Senegal, Costa de Marfil, Mauritania, Guínea Conakry, Burkina Fasso y Níger: una fiesta de ritmo y color. Pero para que os hagáis una idea de qué es lo que hace Toumami, a qué suena, escuchad esta canción, Ne Ne Kiotaa, con el mítico contrabajista Danny Thompson (su sonido en Solid Air de John Martyn merece un post... pensaré en ello).
I can't eat, I can't sleep I can't sleep, I can't dream An aversion to light Got a fear of the ocean Like drinking poison, like eating glass
En nuestro rincón del mundo, si pensás en música Argentina, os vendrá a la cabeza o bien Charly García, Calamaro y familiares, o uno de sus símbolos nacionales, el pasional baile del tango. Dicho baile y género musical tiene sus orígenes a principios de siglo XX, cuando el Río de la Plata se vio inundado de inmigrantes europeos, muchos de ellos alemanes, que introdujeron instrumentos como el bandoneón, que en ciertos círculos se considera sinónimo de tango.
El baile, tremendamente sensual, construído alrededor del contacto físico con la pareja, tiene en parte su origen en los prostíbulos y burdeles de la zona, visitados por los inmigrantes europeos, quienes se mezclaban con los inmigrantes africanos donde se oían nostalgias y lamentos, se juntaban con pasiones... y de ahí nacía el tango y su jerga, el lunfardo... todo a partir del mestizaje y la fusión, hasta el punto de que no se le reconoce como derivado musical de ningún estilo en particular, teniendo como asociación más directa el erotismo de la pareja. Dicho origen prostibulario lleva a que algunos títulos de tangos conocidos sean: Dos sin sacarla, El 69, Empujá que se va a abrir, ¡Qué polvo con tanto viento!, Siete pulgadas, Tocámelo que me gusta, Tócalo más fuerte, Va Celina en la punta, Concha sucia o Bartolo (milonga que inmortalizó al famoso personaje que tenía la flauta de un agujero solo).
Y cuando por aquí pensamos en este baile, lo más habitual es tener en la cabeza La cumparsita, el más difundido entre los tangos. Es por ello que Argentina lo haya utilizado en sus presentaciones y exhibiciones internacionales cuando han querido mostrar al mundo la belleza de su baile. Así lo hicieron en la Expo de Sevilla, como también ocurrió en las olimpiadas de Sydney... El único problema es que dicho tango, que todos asociamos con Buenos Aires y dicho país, fue en realidad compuesto en 1917 por Gerardo Matos Rodriguez en un café conocido como La Giralda, en pleno Montevideo, y es considerado un himno cultural de Uruguay, lo que ha provocado en varias ocasiones airadas protestas en contra de la aparente apropiación por parte de Argentina de su pieza musical más querida. Y qué mejor momento para honrar la herencia musical de la tierra de Benedetti que estos días, en el 90 aniversario de su estreno (que tuvo lugar el 19 de abril de 1917). Aunque sea con esta extraña interpretación a cargo de NUSHO (Orquesta de Armónicas de la Universidad Nacional de Singapur).
Al cotorro abandonado ya ni el sol de la mañana asoma por la ventana como cuando estabas vos, y aquel perrito compañero que por tu ausencia no comia, al verme solo el otro dia tambien me dejo.
Con la salida del esperado nuevo disco de Los Planetas, ha llegado una gira de presentación, que está funcionando mejor que el lanzamiento, haciendo doblete en La Riviera mientras que el disco aún no se encuentra en las tiendas tras haber experimentado varios retrasos en la distribución (o eso me han dicho, aunque la versión online del disco tampoco está disponible).
De todos modos, no es necesario que el disco esté en la calle para que los seguidores de los granadinos inunden la sala con la palmera más inoportuna de toda la capital, y ahí estabamos Juanma y yo, a empezar la noche, y aunque el concierto fue bueno, a pesar del sonido iregular del lugar, yo estaba sobre todo ansioso por oir un puñado de los clásicos de siempre, y uno de los nuevos temas, que no me cabe duda acabará pasando a ser de esos "clásicos de siempre" con los años. Me refiero a Reunión en la cumbre, a la que sólo se la podría acusar de ser "demasiado planetas". Una melodía sencilla y juguetona que baila en un ritmo ternario sobre una base de batería obsesiva, incansable, y la maravillosa letra de Jota, un ingenioso e irónico ataque a las voces de terceros a la hora de juzgar una relación entre dos personas... y es que de los cientos de personajes que participan de esta reunión, los únicos que parecen no tener ni voz ni voto son los implicados.
Se ha reunido el comité de expertos y han decidido que se acabó lo nuestro y a mi me habría gustado haber participado en el proceso
Se han reunido catorce o quince locas y han decidido tocarme las pelotas y lo están consiguiendo Me voy a quedar en el intento
Hoy, 14 de marzo, día del número pi, vamos a celebrarlo en The Odd Boombox con una bonita melodía para todos los gustos y todas las edades. Feliz día.
Aunque hay otros curiosos tributos musicales a nuestro número. Por ejemplo esta animación flash, aún en desarrollo, o este rap por el mismo autor... o este generador de melodías basado en una escala predeterminada que escojas. Lo que hace es traducir cada decimal en una nota musical. Y ve tirando... tienes para rato.
Este fin de semana necesitaba escaparme un ratito de Madrid, así que de forma bastante improvisada, cogí el coche y me bajé a Granada a ver a Luchi, que está viviendo en la ciudad de la Alhambra, los Planetas, y Lanjarón, mi segunda agua mineral favorita (snob).
Me apetecía mucho conducir unas cuantas horas oyendo discos, la verdad es que ese ha sido uno de los detonantes del viaje... así que en la carretera han sonado Jamie T, The Black Angels, Terrorvision, The Specials, Bryan Adams, Bright Eyes... también un recopilatorio que hice hace años llamado GGG20 que tiene a James, Tom Jones, The B-52's, Save Ferris, Soul Sister... Pero lo más musical del viaje ha sido la ciudad. Al estar guiado por Luchi, que sabe lo que me gusta, me he sentido como si estuviera en una especie de Camdem andaluz, me ha llevado por sitios de lo más poperos, y me hizo ilusión conocer el bar "Amador", el de He pasado por tu casa 20 veces/y siempre voy al Amador por si apareces del Qué puedo hacer de Los Planetas. Cuando eres un mitómano, estas cosas te emocionan un poquito.
La mayor parte de la noche la pasamos en otro bar, al parecer tirando a nuevo, La Válvula, donde las cervezas me las ponía el que era guitarrista de la banda de Bunbury y las canciones las pinchaba el guitarrista de Bombones, que esta noche hacían un acústico seguido de una sesión de Juan de Pablos, me hubiera gustado quedarme, pero la de anoche no fue para menos: B-52's's, Katrina and the Waves, Beatles, Rolling, Troggs, Kinks, Loquillo, Weezer, Ok Go!, Bangles, Nancy Sinatra, y el Close to me de The Cure y Miriam a partes iguales, por poner unos pocos ejemplos.
Todo esto en poco más de 24 horas, y algo menos de mil kilómetros. ¿Qué más se puede pedir? Bueno, ya...
Wir fahr'n fahr'n fahr'n auf der Autobahn fahr'n fahr'n fahr'n auf der Autobahn
Vor uns liegt ein weites Tal die Sonne scheint - ein Glitzerstrahl!
Fahrbahn ist ein graues Band weisse Streifen grüner Rand
¿Qué sucede cinco años más tarde de que una artista de 17 años salte al estrellato mundial rodeada de sk8ers, punk-poppies y emo-wannabees, cuando saca su tercer disco de estudio tras haber contraído matrimonio?
Su segundo trabajo ya pretendía ser un poco más serio (sin pasarse) que la muestra de euforia juvenil que representaban singles como "Sk8er Boi", y es habitual que un tercer disco vaya dejando ver una etapa de madurez, un sonido propio, que defina la personalidad del artista. El problema es que si bien Avril Lavigne, la punki canadiense que afirmaba que el primer CD que tuvo se lo regaló el bajista de su grupo cuando estaban grabando el debut (el London Calling de The Clash, si es que alguna parte de esta historia es cierta), parece que haya dejado de hacer música para un público de una edad media de 16 años, parece haberlo hecho para centrarse en la adorable preadolescencia y las niñas de 12 años.
Aunque el disco aún no ha llegado a las tiendas, un anticipo ya está sonando por las radios e internet, el impecable single Girlfriend. ¡Y es que es una canción increíble! Es divertida, pegadiza, entra sola y se queda, suena bien, y en el vídeo Avril sale rubia, morena y pelirroja. Para todos los gustos. El problema es ... que debe sus ganchos a dos grandes temas de la historia del pop. Vamos, que sin llegar a ser plagio, toma prestadas un par de melodías. ¿Alguien quiere intentar buscarlas?
Bueno, si la has oído sin prejuicios, tienes que admitir que es una canción pegadiza. Olvídate de "es que se ha vendido, ha traicionado al punk", porque quien piense que Avril era una punki auténtica... bueno, es que ni piensa lo que dice. La música de esta postadolescente no es más que un producto mainstream al que le puedes poner el estilo que le apetezca al productor de turno según las tendencias del mercado... es como una Barbie a la que le pones el vestido que se lleve en cada momento. Y ojo, que no lo digo como algo malo. La música y la industria del entretenimiento están muy ligadas hoy en día, y hay que saber entender cada disco como lo que es, y la canadiense sigue en una fase muy temprana de su evolución. Y es que es joven, con 22 años aún tiene tiempo de divertirse, y si quiere buscar su sonido y acabar haciendo folk-protesta-experimental, ya tendrá tiempo para ello, para hacerse valer (o al menos intentarlo). También es posible que el disco sea su disco de introspección, y este single haya sido una imposición de la industria para asegurase un cierto índice de ventas, pero no lo parece. Así que teniendo claro que la canción se ciñe perfectamente a su estilo (sea cual sea...), hay que reconocer que la canción está bien. Y es posible que hayáis identificado en la estrofa una melodía sacada de la canción de animadoras más típica de la historia, Hey Mickey, de Toni Basil, viva el Bubblegum Pop. La verdad es que el parecido no es demasiado obvio, es más una cuestión de actitud, pero para eso el blog admite comentarios, para que la gente opine...
¿Soy el único que lo ve? Bueno, quizá sean cosas mías. Pero aquí a mi compañero Alex se le han puesto los ojos como platos cuando le he puesto primero Girlfriend y luego esta canción de Lush, llamada, hmm... I wanna be your Girlfriend. Quizá el estribillo os resulte familiar...
La canción es una versión que hizo el grupo británico en 1998 de un éxito de 1977 de The Rubinoos, un grupo de pop californiano. No he conseguido poner la versión original, pero aquí hay una versión acústica por sus compositores, y aquí otra versión más. Si sumas la actitud de Hey Mickey con el estribillo de los Rubinoos, es de cajón que algo bueno tiene que salir. Quizá no sea muy original, y es discutible cómo de meritorio, pero el caso es que es un single que va a funcionar, aunque sea demasiado dulzón y pegajoso y también vaya a tener muchos detractores, pero ya sabemos que hoy en día lo que triunfa es lo que nos ponen hasta en la sopa, y dicha intención existe. Prueba de ello es que hay grabadas versiones de la canción en inglés, español, italiano, francés, portugués, alemán, japonés y chino mandarín. Que no, que no es broma, para algo pongo los links, chino mandarín... aquí hay un vídeo de resumen. Ojo al acento en español, no tiene desperdicio.
Está claro que nos van a querer bombardear con esto. Y yo insisto, a mi la canción me encanta, no la comparo con el Visions of Johanna de Dylan, ni con el Autobahn de Kraftwerk... si lo tengo que comparar, que sea con un sobre de Peta Zetas. Pero en su plano me gusta. Lo que me llama la atención es la cada vez más exagerada pinta de plan de marketing bien ejecutado: se mezclan un par de canciones que está demostrado que funcionan, se hace un video con un par de looks que ya se han usado, y para poder satisfacer a la mayor cantidad de público posible, se graba en ocho idiomas. Lo que no ha hecho falta mencionar en esta receta es al artista en concreto, porque podría valer para cualquiera, lo cual me ha hecho pensar... ¿no será esto sólo un plan de marketing que se ha aplicado a una artista cualquiera, en este caso Avril Lavigne? ¿Han empezado diseñando la estrategia independientemente del objeto a promocionar? Me recuerda a la "leyenda urbana" sobre el refresco Sprite, que decía que alguien hizo una misteriosa campaña de publicidad sobre "algo" que iba a salir al mercado, Sprite. Lo ponía en todas partes. Y cuando hubo la suficiente expectación, vendió la marca, que no se sabía qué producto anunciaba (porque no anunciaba ninguno), y Coca-Cola lo compró para promocionar un refresco incoloro que pensaba sacar, y así se aprovechaba del nombre. La historia es falsa, claro, pero ilustra muy bien lo que podría ser este Girlfriend (y de hecho explicaría por qué Avril ya no es tan punki-emo... se ha tenido que adaptar ella a su nuevo producto).
En realidad todo esto son elucubraciones que no vienen a cuento, pero ¿verdad que podría haber sido así? Aunque seamos realistas. Hay pop que no está hecho para que pensemos. ¿Por qué no pones tu single tonto preferido y lo dejamos estar?
Hey, hey, tú, tú: odio tu novia. no, no, no, no: necesitas una nueva. Hey, hey, yo, yo podría ser tu novia.
Hey, hey, tú, tú: yo se qué me gustas. no, no no, no, no es un secreto Hey, hey, tú, tú: yo quiero ser tu novia
The Beatles, probablemente el grupo más conocido de la historia, son generalmente recordados por sus increíbles melodías pop y sus canciones más clásicas y versionadas, pero entre mis favoritas está una de sus más oscuras y desconocidas composiciones, de su Magical Mystery Tour.
Me refiero a Flying, la única canción instrumental presente en su discografía básica, y casi la única firmada por los cuatro. Sin entrar en mucho detalle al respecto, porque lo mejor es oirla, diré que es una canción lenta, perezosa, con un sonido que podría recordar a unos Booker T and the MGs psicodélicos, con un órgano y un mellotron creando una atmósfera relajada pero a ratos inquietante sobre una guitarra que... no se, a mí me parece acogedora.
Es una canción agradable (en el más puro sentido de la palabra), que te transporta un poco en ese vuelo que reflejaron en las imágenes del vídeo (por cierto, las tomas de nubes las filmó Kubrick para 2001:una odisea del espacio, pero no las llegó a usar). Es curioso cómo una canción puede parecer tanto una nana y un himno de celebración al mismo tiempo.
En 1981 apareció el cuarto disco de Tom Petty & the Heartbreakers. Por aquellos años, el precio típico de un vinilo era de $8.98, o $9.98 si era de un artista de primera categoría. En contra de dicha costumbre, el propio Petty, usando la credibilidad que le otorgaba el éxito de su anterior disco, Damn the Torpedoes, exigió que el disco saliera al precio reducido, dando la cara (nariz incluída) por sus seguidores. Tras amenazar con títulos como The 8.98 album, la compañía cedió y finalmente, tras la espera, el disco que salió al mercado se llamó Hard Promises, y se abría con una canción apropiadamente llamada... The Waiting. Con doble V.
La canción, que puede ser la más conocida de uno de sus mejores discos, es una melodía sencilla y directa con una letra sobre lo duro que es esperar algo que deseas. Pero como él mismo dijo una vez, es sobre esperar tus sueños y no saber si se harán realidad. Y es que es cierto: la espera en si, no es mala. Tiene incluso su encanto, te da un tiempo para sentir realmente cuánto deseas algo y valorarlo adecuadamente. La parte negativa es en realidad la incertidumbre. El no saber si va a ocurrir o no: no es el cuándo va a llegar, sino el si va a suceder. Ése es el miedo que nos llega cuando esperamos algo. No es por las horas que pases en el tren, sino el no saber si algún día tendrás la suerte de tener motivos para cogerlo.
Oh baby don't it feel like heaven right now Don't it feel like somethin' from a dream Yeah I've never known nothing quite like this Don't it feel like tonight might never be again We know better than to try and pretend Baby no one could have ever told me bout this
Hoy vamos a poner un poco de humor... Un españolito que tengo haciendo el indio por ahí se ha acordado de mi y me ha mandado este link que tanta gracia me ha hecho... Es un monólogo sobre el Canon de Pachelbel, desde el punto de vista de un chelista que lo odia, y afirma que le persigue incluso a través de la música popular, y lo ejemplifica bastante bien. Tiene un par de puntos muy buenos, si alguien lo quiere, que lo pida y hago una transcripción en español. Merece la pena...
Edit: incluyo la transcripción y traducción del texto.
I wanna leave you with this little story. It's about this piece of music. It's a very popular piece of music, I'm sure you all now it. I'll sing the melody right now.
La lalala, ... (sings Pachelbel's "Cannon in D" melody over the guitar).
Yeah, Pachelbel's "Cannon in D". It's a big hit in the classical world, and I know this because I'm a geek. I know what you're thinking : "Rob, you can't be a geek. You play guitar, you're cool"... OK, you weren't thinkink that, but I was. Err...
But I haven't always been this cool, because I haven't always been playing guitar. I started out with a cello. Yeah... a cello is a wonderful, beautiful instrument. It's cool to be an adult and play a cello. Being a kid and play a cello SUCKED. 'Cause there's no way to be cool with an instrument that is larger than you. When you walk to school with a cello, you're like a wounded gazelle on the Serengeti. The bullies just smell you coming from a mile away, you know : " (Sniffs the air) Woah, I don't know what that thing is but I know I'm gonna break it".
But I put up with all of the abuse, because I loved the music that we played. I loved everything that we played in orchestra, except this...
I hate Pachelbel's "Cannon in D" with a passion. I hate it so much because the cello part is the worst cello part ever written in the history of cello parts. It's eight quarter notes that we reapeted over and over again. They are as follows :
(plays while quoting the note) "D". "A". "B". "F#" ("F sharp") "G". "D". "G". "A".
That's all that we had to play. We repeated those 8 notes 54 times. I counted. Because I had nothing else to do. I would sit back and listen to violins get lovely melodies, the viola would get lovely melodies, the second violins would get lovely melodies, whitch should just not happen. And the cello would get stuck with 8 crappy, lousy, stinking notes. And I began to wonder why. Why would Pachelbel do that to such a beautiful instrument ?
And my theory was : he once dated a celloist and she (? dissed) him really bad, and for the rest of his life he came up with the worst cello parts he could ever think of. It would not be so bad if I didn't have to hear it everyday. I know what you're thinking. You're thinking "Rob, don't listen to the classical radios anymore. I...It doesn't matter. Pachebel's following me. It sounds paranoid, but he's following you too. You hear him every day. I don't know, I went to my step-nephew annual eight grade graduation, and their graduation song by Vitamine C, now : (sings it over the basic melody) "As we go on, we remember...(turns into Pachelbel's melody) La LALALA !!! ..."
So I drive home and I tune on to some classic rock, some Aerosmith : "There was a time when I was so brocken heart and...(turns into Pachelbel's melody) LALALA !!! ..."
So I get home and I thought I would clear my mind with some folk music... NO : "Listen children to my story, it was written long ago about (turns into Pachelbel's melody) LALALA !!! ..."
They do Pachelbel, just like everybody does Pachelbel just to torment me. I don't even go to Taco Bell anymore, that sounds too close. I hate Pachelbel with a passion. I don't even now his first name. It's probably Johann. They're all named Johann. The only thing about him is he's the original one-hit-wonder. He had one hit 300 years ago. It's my cross to bear it my entire life. Where are they now ? That's what I wanna know. WHERE ARE YOU NOW, PACHELBEL ?? VH1's I Love the 1790's. Where is it ?
If he had stayed away from the music that I love it would have been better but he won't. He is shameless. He will follow me to the end of the earth.
(Traducido informalmente)
Os voy a dejar con esta pequeña historia. Es sobre una pieza de música, muy popular, estoy seguro de que la conocéis, os la voy a cantar... La lalala, ...
Sí, el Canon en Re de Pachelbel. Un gran éxito en el mundo de la clásica. Y lo se porque soy un empollón. Sé lo que estáis pensando: "Rob, no puedes ser un empollón, tocas la guitarra, molas..." Vale, no era lo que estábais pensando, pero yo si...
Pero no siempre he molado tanto, porque no siempre he tocado la guitarra. Empecé con el cello. Sí... el cello es un instrumento precioso, maravilloso. Mola ser un adulto que toca el cello. Ser un chaval que toca el cello... apestaba. Porque no se puede molar cuando tu instrumento es más grande que tú. Cuando vas andando al colegio con el cello, eres como una gacela herida en el Serengeti. Los matones te huelen a distancia, "Hmm, no se lo que es eso, pero sé que lo voy a romper..."
Pero aguanté todos los abusos porque me encantaba la música que tocábamos. Me encantaba todo lo que hacíamos en la orquesta... menos esto. Odio apasionadamente el Canon de Pachelbel. Lo odio tanto porque la parte del cello es la peor parte de cello escrita en la historia de las partes de cello. Son ocho notas que repetimos una y otra vez, son así...
Re, La, Si, Fa sostenido, Sol, Re, Sol, La...
Eso es todo lo que tocábamos. Repetíamos esas 8 notas 54 veces. Las contaba. Porque no tenía otra cosa que hacer. Me sentaba y escuchaba a los violines tocar bellas melodías... las violas tocaban bellas melodías... los segundos violines tocaban bellas melodías, lo cual no debería ocurrir. Y el cello se aguantaba con 8 notas cutres y apestosas. Y empecé a preguntarme el por qué. ¿Por qué haría Pachelbel tal cosa a un instrumento tan hermoso? Y mi teoría era: solía salir con una cellista y ella le puteó de mala manera, y por el resto de su vida escribió las peores líneas de cello que se le pudieran ocurrir.
No sería para tanto si no tuviera que oírlo todos los días. Ya se lo que piensas, piensas "Rob, no escuches más la rádio clásica..." No importa. Pachelbel me persigue. Suena paranóico, pero también te sigue a ti. Le oyes a diario, no se... fui a la graduacion de mi sobrino, y su canción de graduación era de Vitamin C...
Así que vuelvo a casa y pongo algo de rock clásico, algo de Aerosmith...
Así que llego a casa y pienso en limpiar mi cabeza con algo de música folk... y nada.
Tocan a Pachelbel, como todo el mundo toca a Pachelbel sólo para molestarme. Ya ni siquiera como en Taco Bell porque suena demasiado parecido.
Odio con ganas a Pachelbel. Ni sé cual es su nombre. Seguramente Johann, todos se llaman Johann. Lo único que se puede decir es que es el auténtico artista de un sólo éxito. Tuvo uno hace 300 años. Y es la cruz que tengo que aguantar toda mi vida. Dónde estás? Eso quiero saber, dónde estás, Pachelbel? VH1, "I love the 1790s", dónde está ese programa? Si se hubiera mantenido al márgen de la música que me gusta hubiera estado mejor, pero no. No tiene piedad. Me seguirá hasta el fin del mundo....
Dos trabajadores en una empresa de reparto pasan su primer día trabajando juntos. El más joven es fan incondicional de Eric Clapton, mientras que el veterano no deja de exponerle sus argumentos para demostrar que es un artista de masas sin credibilidad, a pesar de una brillante y prometedora época de juventud. Al acabar la jornada, el joven se replantea la obra del guitarrista tras la larga charla en la furgoneta, mientras que el otro, al llegar a casa y en privado desempolva con cariño y nostalgia culpable su disco favorito de Clapton.
Una noche yendo a ver a Nadia con el bueno de Juanma, vimos un vídeo que nos puso algo nerviosos, era algo extraño: Like a Pen de The Knife, un dúo de hermanos que se mueven entre la electrónica y el synth-pop, porque son suecos y a los suecos les gustan mucho los sintetizadores y esas cosas. Esa canción es de su último disco, pero la canción con la que se hicieron conocidos (más o menos) se llama Heartbeats, de su primer disco, Deep Cuts.
La canción es un medio tiempo envolvente, toda llena de sintetizadores y la voz de la hermana Dreijer, y si bien no es una canción "trepidante", está más que llena de sonido y ritmo. Pero bueno, qué mejor que la canción misma para describirse:
Bonita, eh? Bueno, pues igual os sonaba la melodía, y todo. De ser así probablemente sea gracias a un anuncio en el que sonaba otra grabación de Hearteats, más introspectiva y menos festiva. Esta versión es de José González, que se llama así porque es sueco, y a los suecos también les dejan tener nombres con zetas y tildes. El sueco-hijo-de-argentino publicó un disco, Veneer, lleno de canciones suaves, basadas en su guitarra y voz, y ahí apareció la versión que hizo.
Las diferencias entre las versiones son más que notables, claro. Y si bien no es raro que una canción sea reinterpretada por otro artista con otro enfoque, lo más habitual es que se transforme un tema más o menos suave en una canción más rápida, animada o potente. Innumerables son los ejemplos encontrados entre los grupos punk y heavy metal, o adaptaciones a la electrónica/dance de "clásicos de ayer hoy y siempre", por no hablar de que es un más que práctico recurso a la hora de preparar una actuación en directo. En cambio, es menos habitual que alguien reinterprete una canción para transformarla en un vehículo más intimista y personal, pero a mi me encanta cuando alguien lo hace y le queda tan bien y tan natural. He aquí un par de ejemplos, intento poner links en algunos casos (el vídeo no tiene por qué ser el original de la canción, pero sonará la música, al menos...).
Ryan Adams, uno de los más prolíficos artistas de principios de siglo, grabó una versión del Wonderwall de Oasis, mucho más sutil que la de los Gallagher.
Iron and Wine (nombre artístico de Sam Bean) transformó el electropop de Postal Service en una balada country-folk con Such Great Heights.
Los Ramones, que movieron al punk muchos temas clásicos de los 50, se han visto a su vez reinterpretados, por ejemplo Danny Says ha sido grabada de forma muy diferente por Tom Waits, y Per Gessle, de Roxette, hizo de Sheena is a Punk Rocker una balada al piano.
Radiohead también se han visto reinterpretados a menudo, desde Exit Music (For a Film) por el trío de jazz de Brad Mehldau, hasta una preciosa versión de Kid A por John Mayer, pasando por una divertida parodia de lo que sería Creep interpretada por un hipotético Bob Dylan que lleva años circulando por internet.
...y Sheryl Crow grabó una versión acústica de Sweet Child of Mine, clásico rock de Guns'n'Roses, Elvis Costello le quitó toda la alegría al tema What do I do now? de Sleeper, Travis vieron como su reinterpretación de Britney Spears en Baby, One More Time se convertía en uno de sus temas más celebrados, y Johnny Cash grabó a Nine Inch Nails (aunque el Hurt original tampoco era mucho más violento). Y hay un tal Matt Weddle, que no se quién es, que ve el divertido Hey Ya de Outkast de esta manera, que a mucha gente no le gusta pero a mi me encanta.
Todo esto ocurre por un motivo, y es que hay canciones que no sólo te gustan, sino que te transmiten algo especial, y te apetece, como artista, como intérprete, hacer hincapié en la belleza del tema en concreto, e intentar que la gente vea, al igual que tú, ese aspecto que crees que suele haberse pasado por alto. Y a mi me parece bonito, que la música te aporte algo, y le quieras dar algo a cambio. Yo, entre otras cosas, le doy The Odd Boombox. Y tú, ¿qué le das?
One more time down south
